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Utah Artistas femeninas exploran lo sublime a través del arte

Utah Artistas femeninas exploran lo sublime a través del arte

En las intersecciones del paisaje, la vida doméstica y la religión, las artistas femeninas han creado un renacimiento en Utah.

Escrito por Ashley Mae Hoiland

Helper Andrew Burr

Utah me recuerda que soy pequeño, y que el paisaje es antiguo, sabio y abarca tanto el tiempo como el misterio. Una vez, en un viaje a San Francisco, llegué a la Bonneville Salt Flats Al amanecer, mi novio y yo nos adentramos en la fina capa de agua que reposaba sobre la sal blanca, agrietada e interminable. Algo dentro de mí cambió; despertó en mí una cierta creencia en lo surrealista.

El variado paisaje de Utah es mucho más grande de lo que jamás podré comprender. Esa parece ser una preocupación común de una generación de artistas femeninas que han crecido rodeadas de paisajes Utah como flores silvestres, cada una creando según su propia experiencia.

Muchas artistas se inspiran en una intersección única: un paisaje físico que invita a abordar lo sublime en contraste con un paisaje cultural que a menudo apoya o lidia con una creencia generalizada en la divinidad cristiana. El campo está cargado de tensión y asombro, y en todo el estado, las artistas femeninas se enfrentan a lo que significa crear entre cuestiones tan relevantes desde el punto de vista espiritual y tanta belleza natural. Aquí presentamos extractos de conversaciones con 14 artistas, cuyo trabajo —en una variedad de medios— representa un renacimiento femenino en el arte anclado en la religión.

"El panorama está cargado de tensión y asombro, y en todo el estado las artistas se enfrentan a lo que significa crear entre cuestiones tan relevantes desde el punto de vista espiritual y tanta belleza natural."

Emily Fox King.

Foto: Nicole Morgenthau

Emily Fox King y los niños.

Foto: Nicole Morgenthau

La artista Emily Fox King

Foto: Nicole Morgenthau

El paisaje de lo doméstico en Utah Arte

A principios del siglo XIX, Minerva Teichert, una reconocida artista de la Iglesia de Jesucristo de los Santos de los Últimos Días, solía tomar un ramo de flores de un funeral y devolverlo al día siguiente a la familia en duelo en forma de pintura. Su vida giraba en torno al paisaje doméstico y a una sala de estar repleta de cuadros que utilizaba como moneda de cambio para que sus hijos y los niños del vecindario pudieran estudiar en la Universidad Brigham Young.

Como artista prometedora y en ciernes en la universidad, conocía bien la obra de Teichert, y la idea que tenía de ella abarcaba todo lo que aspiraba a ser en aquel momento: una artista de éxito con un puñado de niños correteando por el estudio.

Muchas artistas que se identifican como mujeres crían hijos mientras desarrollan una carrera profesional. Esto puede generar una vibrante producción creativa, tanto dentro de esos límites como en ámbitos que los desafían. Esta confluencia de mujeres inmersas en el ámbito doméstico y, al mismo tiempo, avanzando en sus carreras artísticas, da lugar a un arte fascinante y relevante.

Existe un fuerte sentido de comunidad entre las artistas femeninas de Utah, en un entorno marcado por la colaboración más que por la competencia. Creo que esto surge de la confluencia de los problemas y la belleza que conlleva crear en un contexto donde la religión cristiana, La Iglesia de Jesucristo de los Santos de los Últimos Días, forma parte de tantas vidas, presentes o pasadas.

Utah pintor Emily Fox King Crea dentro de esta estructura doméstica, y también desafía las expectativas y los prejuicios. «Espero que mis pinturas de flores transmitan belleza y caos, con la pintura ricamente estratificada, aplicada con intensidad y agresividad», dijo la artista en una entrevista con Segullah, una revista literaria mormona en línea dirigida por mujeres, explicando que los espectadores suelen considerar sus pinturas como «alegres». «Quiero responder: "No, no lo son, ¿acaso no ven la FURIA?". Pero ese es precisamente mi punto. Creo que la vida, la maternidad, la feminidad, son una mezcla de belleza, caos, incertidumbre, ira y resignación, todo a la vez».

Elizabeth Sánchez Una artista mormona nacida en México que pinta escenas peculiares de la vida doméstica mezcladas con símbolos e imágenes de su herencia cultural, destaca el apoyo que ha recibido por su trabajo. «A todas las madres artistas que intentan encontrar el equilibrio entre la maternidad y la creatividad: eso no existe», afirma. «Sin embargo, centrar tu atención en ambas no te hace menos artista ni menos madre».

Susan Krueger Barber Comenzó su carrera artística después de la universidad pintando durante la siesta de sus hijos pequeños, antes de convertir su práctica artística en un activismo local de pleno derecho. En 2015, literalmente se enterró en la tierra y emergió con el alter ego "Art Grrrl", a menudo vestida con un disfraz de superheroína hecho en casa. Un proyecto reciente consiste en colocar cientos de figuras por su vecindario. Estas figuras tienen cabezas encerradas en un molde de gelatina como comentario sobre sus raíces religiosas (en la tradición cultural, a los mormones les encanta la gelatina) y la idea de que los espectadores perciben la moralidad, la política, la espiritualidad y la vida en general a través de su propia lente particular de experiencia. "Los entornos y eventos que genero toman significado de las historias de origen complejas y a veces contradictorias de mis respectivos linajes, a saber: DIY, Queer, Feminista y Mormona", dice refiriéndose a sí misma como artista.

Las representaciones de Dios, y más recientemente la inclusión de una diosa, desempeñan un papel importante en el arte creado en Utah. Muchos artistas crean obras directamente relacionadas con las doctrinas de los Santos de los Últimos Días. Este conjunto de obras está en constante evolución y, en muchos sentidos, está liderado por mujeres que insisten en tomar las riendas de su comprensión y percepción de su experiencia espiritual. Hace unos años, la obra de Caitlin Connolly podría haber sido vista como subversiva o al margen del canon de los Santos de los Últimos Días, pero en los últimos años, la propia institución ha adoptado representaciones de una Madre Celestial. La obra de Connolly también retrata las dificultades con la infertilidad y su propia evolución como madre de gemelos, al pintar figuras femeninas como santas y poderosas, a menudo en comunión con otras mujeres.

En su obra, Paige Crosland Anderson Parece estar anidado en el espacio intelectual de lo doméstico. «Los patrones de las colchas pioneras son símbolos de mi herencia cultural», dice Anderson. «No solo soy descendiente de pioneros mormones que cruzaron las llanuras, sino que mi abuela Donna era una experta en acolchado». Eso añade contexto a los espectadores que ven los patrones superpuestos y aparentemente infinitos de sus pinturas. «Pinto el mismo patrón varias veces en diferentes colores hasta que hay una cantidad indistinguible de capas inferiores», dice Anderson sobre su proceso. Las pinturas parecen indicar cómo puede ser una vida espiritual tradicional, repetitiva, incluso aburrida al principio, pero rich con textura, color y sorpresa cuanto más tiempo las miran los espectadores.

"Un proyecto reciente consiste en cientos de figuras cuyas cabezas están encerradas en un molde de gelatina como comentario sobre sus raíces religiosas y la idea de que los espectadores perciben la moralidad, la política, la espiritualidad y la vida en general a través de su propia perspectiva particular de la experiencia."

Una obra de Susan Krueger Barber titulada "Mujer latina con bolso y cabeza de gelatina".

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En la tierra que habitamos

Salt Lake City Artista radicado y profesor asociado de la Universidad de Utah Beth Krensky Crea una obra escénica en solitario ambientada en el Bonneville Salt Flats. «Creo que es importante comprender en qué tierra te encuentras y qué sucedió bajo tus pies mucho antes de que llegaras», dice. «Hay belleza, sufrimiento y muchas capas de historia de diferentes pueblos que han dejado su huella en la tierra».

En “Make Me a Sanctuary”, Krensky camina por las salinas con un vestido de lino blanco bordado con textos bíblicos que aluden a la idea de un tabernáculo. Mientras camina, sostiene dos postes de madera de olivo conectados a una “tienda” o santuario personal que se crea a medida que avanza. Esta comunión con la naturaleza, en lugar de intentar dominarla o modificarla, parece representar la proyección hacia lo sublime que muchos artistas parecen tener en común.

Ana Kaferle Ubicado en el prometedor centro artístico Helper, crea paisajes oníricos y surrealistas. Durante los últimos siete años, ha realizado caminatas diarias, observando los cambios de luz, los cambios cíclicos, el clima y las sutiles variaciones de color con la mirada de una pintora. “El equilibrio del color, el valor y la línea en el paisaje desértico tiene un poder sereno, y esto es lo que intento comunicar en mi trabajo”, dice Kaferle. (Leer: Convertir Carbon en cultura)

Al otro lado de la sierra de Manti La Sal, otro oasis en el desierto donde viven y trabajan artistas, en un pueblo que alguna vez construyeron los pioneros: Spring City Entre los artistas de la ciudad se encuentra la conocida “Matriarca de las Artes”, Ella Peacock, quien pintaba paisajes al aire libre en tonos naturales que enmarcaba en sus propios marcos tallados a mano. Artistas contemporáneos y exitosos como Lee Udall Bennion y Kathleen Peterson prosperan rindiendo homenaje a la tierra viviendo en ella y con ella, absorbiendo colores, paisajes e historia como parte de su práctica diaria y artística. “Dónde vivo y cómo vivo tiene todo que ver con mi obra de arte”, dice Bennion. “Nunca he pintado muy lejos de casa, es decir, pinto personas, animales, lugares y objetos que tienen significado para mí y con los que estoy muy familiarizado. Creo que encontrar un lugar en la tierra donde te sientas como en casa y conectado es extremadamente importante”. (Leer: Recogiendo la cosecha de un pequeño pueblo)

De vuelta en Salt Lake City, Claire Taylor, otra artista que alberga una intensa reverencia por el mundo natural, crea rich, pinturas viscerales que representan a los animales de Utah en paisajes rurales y urbanos. El trabajo de Taylor armoniza con los animales y la naturaleza en todos los lugares donde se cruzan con ella: barrios urbanos, cementerios, parques y senderos locales, así como los espacios más vírgenes del estado. Este año es artista residente en el Museo de Historia Natural de Utah donde está creando un mapa mental que evoluciona, se acumula y fluye a medida que pinta y dibuja los animales de Utah. Los niños la observan pintar en el museo, ofreciendo sus propias versiones de la naturaleza mientras pintan y dibujan junto a ella. «Los paisajes de aquí, en Utah, son donde encuentro alimento espiritual», dice Taylor. «Puedo lidiar con preguntas existenciales y espirituales en la naturaleza».

Artistas que trabajan en todo tipo de medios están realizando la labor de interpretar el paisaje y convertirlo en arte. Lenka Konopasek, quien emigró a Utah desde Checoslovaquia, ha creado varias esculturas públicas instaladas en Salt Lake City. Su obra se puede apreciar en la estación de Trax de Old Greek Town, la Clínica de Salud Pública del centro, 337 Pocket Park, el Art Shop Project en The Gateway y el sendero Mclelland. «Muchas veces utilizo formas y colores derivados de formaciones naturales y del paisaje circundante de manera abstracta», explica. «Es casi imposible que no me afecte mi entorno, y eso se refleja en mi obra».

La artista Anne Kaferle en Helper — Foto: Andrew Burr

Las personas que estuvieron en esta tierra antes que nosotros

Mientras que Utah está experimentando un renacimiento del arte creado por mujeres, el espectacular paisaje del estado ha sido fuente de inspiración durante generaciones. Antes de que los pioneros Santos de los Últimos Días y muchos otros se asentaran en Utah, la tierra era el hogar de las tribus Shoshone y Bannock en el norte, las tribus Ute y Goshute en la sección central, y las tribus Paiute del Sur y Navajo en el sur.

Kwani Povi Winder, quien proviene de la tribu Santa Clara Pueblo en Nuevo México, ha hecho un hogar en Ogden donde se relaciona con su herencia indígena y la cultura contemporánea a través de su arte. Si bien su obra inicial presentaba imágenes mormonas, en los últimos años sus pinturas han evolucionado para centrarse principalmente en su herencia nativa americana. Afirma que hay pocos pintores al óleo con formación clásica que sean indígenas americanos, y aspira a representar a su pueblo a través de su obra. Sus pinturas son impactantes, ya que parecen encarnar un homenaje y una búsqueda de lo sublime mediante la representación de la tradición y el ritual. Parece estar conectando con la memoria cultural a la vez que da imagen al presente, y al hacerlo, honrando un futuro donde la cultura indígena americana sea honrada. "Me gusta pensar que mis pinturas crean un puente desde el presente para conectar con nuestros ancestros", dice, y añade que le gusta centrarse en capturar a jóvenes con vestimenta tradicional. "Representan que los nativos americanos siguen vivos, prosperando y continuando transmitiendo su cultura a las futuras generaciones".

Donde se cruzan los paisajes culturales y físicos

Existe otra tensión que recorre las obras de arte basadas en Utah: la complejidad de la transición para alejarse de la fe predominante. Abandonar una religión requiere una reinterpretación de lo sublime y sugiere el trabajo creativo de adentrarse en nuevos horizontes.

Tribu Miriam es alguien que ha creado para abrirse paso a una nueva vida espiritual. «Mi transición personal de fe requirió mucha reconstrucción y reinvención», dice sobre su proceso artístico. «Descubrí mi yo artista al mismo tiempo que reimaginaba mi propia espiritualidad, y en retrospectiva puedo ver cuán estrechamente relacionadas estuvieron ambas evoluciones para mí». Su obra es una clara extensión de su cuerpo físico, tanto en la creación como en el producto final. Observarla crear dibujos es casi una experiencia mística, ya que su mano rara vez se separa del papel y a menudo dibuja con ambas manos simultáneamente. Parece como si estuviera lanzando un hechizo con sus líneas de contorno y el color subsiguiente. «Rodeo por muchas preguntas sobre la identidad y las relaciones», dice. «Uso las líneas como coreografía y el color como ritual o pintura de guerra, definiendo el estado interior primordial, la verdadera intención», dice.

Laura Hendricks reimagina paisajes combinando fotos en collages que se sienten a la vez familiares y desorientadores. "Antes me sentía en conflicto al cambiar imágenes de paisajes porque las escenas son lo que son y las amo tal como son", dice. "Más tarde, comencé a eliminar los sistemas de creencias y elementos de estilo de vida de mi vida que no funcionaban, y que nunca realmente funcionaron, para mí, y a agregar los que sí". El espacio posreligioso puede ser un viaje rich, a veces doloroso, a menudo liberador que puede dar lugar a un gran arte, y se suma al colorido tapiz Utah que los artistas están tejiendo.

Annie Kershisnik Blake crea series de pinturas sobre un tema o palabra específica para cada colección. Su arte cultiva una relación en constante evolución con el mundo natural y espiritual, más allá de la fe mormona en la que creció. «El arte femenino en Utah es una declaración feminista específica», afirma. «Se trata de reclamar espacio, generar confianza y exigir ser incluida en espacios que no te tienen en cuenta». Utah tiene sus propias versiones del patriarcado contra las que los artistas luchan, sin dejar de conectar con los problemas generales del patriarcado que el mundo del arte en general está abordando. Este fuerte sentido de apoyo mutuo, recomendaciones, colaboraciones, marketing y creación de microeconomías con sus obras de arte se da a través de las diferencias culturales, religiosas y artísticas.

"Esta tierra plantea interrogantes sobre la divinidad, sobre lo sagrado, sobre qué significa lidiar con vidas insignificantes frente al telón de fondo de las gigantescas guardianas llamadas montañas, del ondulado desierto rojo, de la vasta extensión viviente de las salinas."

"Hazme un santuario" de Beth Krensky.

Foto: Josh Blumental

Gheybin Comish, fundador y propietario de Estudio de tatuajes Everybody de Salt Lake City es un ejemplo de una artista que crea vitalidad y comunidad a partir de un paisaje posreligioso. La gente hace fila alrededor de la manzana durante los eventos de “tatuajes flash” en su estudio, donde invita a artistas locales a crear imágenes originales para tatuajes de edición limitada. En su propio trabajo, Comish se inspira directamente en la naturaleza. “Utah la fauna es un tema recurrente de interés, pero lo que más me fascina son nuestras capas culturales”, dice. Los tatuajes se han vuelto populares en Utah, dice Comish, debido al deseo que tienen las personas de hacer visible su ruptura con la religión. Su trabajo se siente monumental de una manera popular. “Cuando se trata de tatuajes, estoy especialmente interesada en explorarlo no solo como un medio artístico, sino como una herramienta para el crecimiento personal y el apoyo social”, dice. “Hacerse un tatuaje puede sentirse como tomar posesión del propio cuerpo, de cómo nos vemos y cómo nos sentimos con nosotros mismos.” (Leer: La escena de los tatuajes de Salt Lake: La inclusión es la nueva frontera)

El mundo natural es el motor de muchos de los artistas forjados en Utah. La tierra aquí plantea interrogantes sobre la divinidad, lo sagrado, sobre cómo lidiar con vidas pequeñas frente al telón de fondo de los gigantescos guardianes llamados montañas, del ondulado desierto rojo, de la vasta extensión viva de las salinas. Artistas y espectadores se enfrentan al hecho de que, en un momento dado, casi toda la región estuvo cubierta por un antiguo lago, y su línea de costa aún está marcada en las montañas. Fósiles oceánicos cubren las cimas de casi todas las montañas a lo largo del Wasatch Frente, haciendo literal la profecía bíblica de Isaías 40:4: «Todo valle será levantado, todo monte y colina será rebajado». Los artistas crean a raíz de esta historia en la que nosotros somos apenas un pequeño fragmento.

Parece que el punto de colisión de una variedad tan amplia de obras se encuentra en la tenaz búsqueda de lo sublime. Los artistas en Utah, si bien crean obras muy diferentes, se cruzan entre sí de maneras hermosas. Este intento de capturar y comprender lo sublime surge de interactuar directamente con los distintos paisajes y la vida silvestre que rodean a cada artista. Estos artistas tienen que lidiar con la extensión vacía de lo que a menudo son la naturaleza y la religión: la imaginación. Ninguno de estos paisajes ofrece un vacío de posibilidades; todos requieren un empujón contra los parámetros, un intento de capturar lo que es demasiado grande para capturar, solo para ver qué podría suceder. (Leer: Dónde ver arte femenino en Utah).

Acerca de la autora – Ashley Mae Hoiland

Ashley Mae Hoiland es oriunda de Utah y le apasionan las caminatas por las montañas y las aventuras en el desierto. Escritora y artista, encuentra gran parte de su inspiración en el paisaje. Está casada con un geólogo que comparte su pasión por la historia y las rocas, y tiene tres hijos que también están aprendiendo a amar la naturaleza. Actualmente, Ashley está escribiendo una novela sobre la historia del valle de Utah.